historiquement appelée la colonne de Boigne et aujourd'hui plus simplement appelée : - « les Éléphants » ou surnommée: - « les quatre sans culs », est une fontaine située dans la commune de Chambéry ,dans le département français de la Savoie en région Auvergne-Rhône-Alpes
Érigée en 1838 en l'honneur du général - comte de Boigne , la fontaine est aujourd'hui l'un des plus célèbres monuments de la ville.
Elle fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques depuis le 07 mai 1982 .
Fête des Élephants en 2018
L’ensemble, haut de 17,65 mètres et bâti en pierre calcaire de Saint-Sulpice, est une habile superposition de trois monuments :
- une fontaine, une colonne et une statue .
- La fontaine présente dans son plan la CROIX de SAVOIE . Quatre éléphants réunis par la croupe, réalisés en fonte de fer , jettent l’eau par leurs trompes dans un bassin octogonal et portent chacun une tour de combat surmontée d’un bas-relief ou d’une inscription.
- Sur les éléphants, se dresse une grande colonne, symbolisée par un tronc de palmier. Sa base est ornée d'une grande variété de trophées : - « Des armes persanes, mogholes, hindoues ; - divers objets rappelant les mœurs, les arts et la civilisation des peuples que le général de Boigne a combattus ou gouvernés, composent les trophées »
Le sommet de la colonne est constitué d'une statue du général-comte de Boigne *à qui le monument est dédié.
Merci Victoria,pour cet éclairage sur ces lumières multicolores,qui révèlent des paysages entiers.Vraiment superbe!Nous essayons à l'aide de quelques uns de ces éclairages,d'animer nos balcons,terrasses,jardins,mais il y a une différence,je pense.les nôtres sont munis de piles rechargeables à la lumière solaire,et non de fibres optiques.
Depuis une quinzaine d’années, l’artiste britannique Bruce Munro illumine des paysages du monde entier avec ses fantastiques installations Field of Light. Sa spécificité : - une multitude d’orbes brillantes illuminant un lieu en créant d’impressionnants espaces scintillants et mettant en lumière l’expérience humaine partagée.
Selon l’interview de My Modern Met, l’artiste aurait décidé de se consacrer à sa passion après le décès de son père en 1999. À l’époque, il travaillait dans la fabrication de lumière, et a ainsi décidé de concrétiser ses expériences en utilisant la lumière comme support, qu’il considère comme un médium pur et vrai. L’homme enregistre ainsi des idées et des images dans des carnets de croquis depuis plus de 30 ans. Il capture ainsi la musique, la littérature, la science et le monde qui l’entoure et s’en sert comme référence et réflexion pour ses projets. Munro produit à la fois des œuvres d’expérimentation temporaires monumentales et des récits intimes.
Il a créé des installations monumentales et intimes dans des déserts, des étangs, des jardins, des champs, et même à l’intérieur de bâtiments.
Le premier Field of light a été installé dans le désert d’Uluru en Australie, inspiré de la première visite de l’artiste dans le désert en 1992. Le dernier projet en date de Munro se trouve à Sensorio, situé sur une colline dans la ville pittoresque de Paso Robles, dans la région viticole de Californie. Ce paysage vallonné donne une perspective à part entière et crée l’illusion d’une densité accrue.
Afin de mettre en évidence les contours et les courbes du paysage local, Munro a utilisé près de: - 60 000 lampes à LED alimentées à l'énergie solaire.
Les ampoules donnent une nouvelle vie au paysage, et permettent aux visiteurs de découvrir leur environnement d'une nouvelle manière innocente et éthérée, apportant « un peu de joie et de connexion entre les gens », comme le décrit l’artiste.
S’étendant sur une surface de 6 hectares, le champ de lumière de Sensorio est la plus grande installation de Munro à ce jour, ainsi que l’une des plus spéciales.
Sensorio, à la croisée de l'art, de la technologie et de la nature, est une destination de divertissement, d'exploration, de méditation, d'aventure et de volupté. Sensorio respecte la topographie naturelle du paysage et propose un large éventail d’expériences amusantes, mystiques et cinétiques.
Pour sa nouvelle création, l’artiste de la lumière a jeté son dévolu sur les vignes californiennes où pas moins de 58 000 ampoules multicolores ont été plantées.
Le champ de lumière est créé avec plus de 58 000 lampes sphériques à tige qui fonctionnent à l’aide de fibres optiques. Ce qui est encore mieux, c’est que chacune d’entre elles est alimentée par l’énergie solaire:
Ayers Rock, en Australie: - formation rocheuse au beau milieu du désert australien. Également appelé Uluru, ce relief de grès rouge est une véritable œuvre d’art formée au fil des millénaires par les mains de la nature. De l’aube au crépuscule, ses couleurs ne cessent de changer, remodelant inlassablement la pierre entre ombre rafraîchissante et lumière incandescente de cette région du continent Australien. Field of Light, aux pieds de l’imposant Uluru.
Ce ne sont pas moins de 60 000 petites lanternes en forme de bouton de fleur qui se sont éclairés progressivement, au fur et à mesure que la nuit tombait sur le désert australien, répondant de leurs teintes chatoyantes au ciel qui s’embrasait au soleil couchant.
Les lanternes, en vérité des ampoules à LED qui se chargent grâce à l’énergie solaire, changent constamment de couleur, ce qui fait que le spectacle ne cesse de se transformer au fil des heures.
Le spectacle estpensé par Bruce Munro pour être admiré aussi bien de loin que de près, et l’artiste britannique encourage les visiteurs à déambuler à travers son « champ de lumière » pour une immersion totale.
C’est un art qui se regarde autant qu’il se ressent.
Bruce Beaton St Clair Munro est un artiste anglais / australien à double nationalité connu pour produire de grandes installations immersives spécifiques à un site, souvent en massant des composants par milliers. Date de naissance : 2 juin 1959 (Âge: 61 ans)
A Mazamet, dans le sud du Tarn, les filatures Jules Tournier sont l'une des dernières entreprises industrielles en France à travailler la laine de: - la matière première jusqu'aux tissus. 150 ans de savoir-faire familial au service du très haut de gamme.
Le sud du Tarn a longtemps connu une solide réputation internationale pour son industrie textile.
La mondialisation de la production textile a porté un coup dur au secteur (deux tiers de ses effectifs et plus de la moitié de sa production perdus en vingt ans - source Insee 2018) mais ceux qui ont misé sur les produits de luxe et les textiles techniques ont mieux tiré leur épingle du jeu.
C'est le cas notamment des filatures Jules Tournier, basées à Mazamet.
Entreprise familiale, actuellement gérée par la sixième génération, elle est l'une des dernières entreprises industrielles françaises à travailler la laine de la matière première jusqu'aux tissus.
Elle a fait le pari du tissu zéro défaut, à destination du très haut de gamme.
En 150 ans, le savoir-faire a évolué techniquement mais les bases restent les mêmes : Avec des laines en provenance du monde entier, les filatures Jules Tournier réalisent des tissus de grande qualité, destinés au prêt-à-porter féminin de luxe et à des créateurs français ou italiens. (Chanel ou Balmain.) L'entreprise tarnaise est aussi leader mondial des tissus anti-perforations pour les tenues d'escrime. Et fournisseur du tissu réservé aux manteaux des hauts gradés de l'armée depuis... Napoléon III. Puis habille les soldats de la Première Guerre mondiale. La manufacture produit notamment le célèbre "drap bleu horizon", porté dans les tranchées.
Les marins, à leur tour, sont emmitouflés dans des draps de laine Jules Tournier. Aujourd'hui encore, il continue sa collaboration avec le Ministère de la Défense. La salle de lavage et de teinture, 1920.
Dans les années 60, le tisseur familial choisit de se diversifier vers des tissus "mode".
De génération en génération, cette famille d'industriels lainiers a misé sur l'innovation. En 2017, elle a obtenu" le label Entreprise du patrimoine vivant," gage de grande qualité. Jules Tournier exporte vers 42 pays avec, en tête, le Moyen-Orient, l'Asie et les USA.
Jules Tournier fonde sa société de tissus en 1865.
La maison de Romanov a gouverné l'empire russe de 1721 à 1762, et ses descendant allemand, la maison Holstein-Gottorp-Romanov a gouverné de 1762 à 1917.
La cour des Tsars était somptueuse, les dirigeants du pays commandaient : - peintures et - bijoux qui reflétaient les traditions de l'art russe avec quelques touches d'Art nouveau.
Peter Carl Faberge (1846 – 1920) a créé quelques unes des œuvres les plus sublimes incluant les œufs en cristaux offert pour Pâques.
La miniature de Palekh (en russe : П́алехская миниат́юра) est un artisanat populaire qui s'est développé dans le village de PALEKH en Russie. Il s'agit de MINIATURES LAQUÉES , réalisées à tempera sur un support à base de papier-maché . Ce sont, habituellement, des boîtes, des coffrets, des cendriers, des porte-cigarettes, des broches, des poudriers qui servent de supports à ces miniatures.
Jusqu’à la Révolution de 1917, la lignée des Romanov a régné sur la Russie durant plus de 300 ans, au cours desquels elle a accumulé une large collection de joyaux réalisés par les plus talentueux artisans. Cela inclut de nombreux chefs-d’œuvre de joaillerie, qu’il s’agisse de bracelets et de broches ou des célèbres œufs . Un certain nombre de pièces importantes sont restées le pays et sont aujourd’hui conservées sous clefs, au sein même du KREMLIN . La couronne impériale russe, également connue comme la grande couronne impériale, était le principal symbole du pouvoir des monarques russes et le principal attribut impérial entre 1762 et 1917. Elle a été portée par tous les souverains du pays, à commencer par Catherine II et jusqu’à Nicolas II.
Créée par le joailler de la cour George Friedrich Eckart et l’artisan diamantaire Jeremiah Posier, elle est ornée de pas moins de : - 4 936 diamants (soit un total de 2 858 carats), - de 75 grandes perles mattes indiennes et - d’un spinelle de 398,72 carats. De nos jours, elle se toutefois trouve sous clef dans la collection du Fonds des Diamants, au Kremlin de Moscou, et n’est pas accessible au public car sa valeur est tout simplement trop élevée pour courir le moindre risque. Afin de présenter la splendeur de cette couronne, une réplique en a cependant été réalisée en 2012 pour environ un milliard de roubles (13,22 millions d’euros) et a été exposée à travers toute la Russie et même au-delà de ses frontières. (Russia Beyond)
Il faut attendre l'ère MEIJI * (1868-1912)pour que les sacs apparaissent au Japon. *Sous le règne de Mutsuhito, l’empereur Meiji (1852-1912), le Japon connait une refonte des systèmes politiques, économiques et sociaux aboutissant à une modernisation extrêmement rapide du pays : c'est la restauration Meiji.
Auparavant,les Japonais se servaient d’un Furoshiki * pour transporter leurs affaires. *Le furoshiki est un grand morceau de tissu aux motifs souvent traditionnels servant à emballer des objets de la vie usuelle depuis des siècles au Japon. Les femmes japonaises cachaient leurs menus effets dans les larges manches de leurs kimonos.
Mais les hommes, portant des kimonos sans poche et avec des manches relativement étroites, avaient pour habitude d'accrocher leurs effets personnels à leur obi (ceinture du kimono).
On parlait alors de sagemono,"chose suspendue". Bourses, boîtes à médicaments, nécessaires àécrire (yatate), blagues à tabac ou même coupelles à saké : - tous s’accrochaient à la ceinture.
Ces divers objets avaient donc un poids et, vers le milieu du XVIème, on eut alors l’idée d’y accrocher quelque chose d’autre pour faire contrepoids et les maintenir en place : - le netsuke vit le jour. Il s’agit donc d’un petit objet sculpté, percé de deux trous et fixé à la cordelette du sagemono.
L’étymologiedu mot laisse à penser qu’au début il s’agissait peut-être de racines, ne signifiant racine et tsuke (, dérivé du verbe tsukeru : attacher, assembler.
Très vite, à L'époque d'Edo (1603-1868), 250 ans de paix grâce à un régime politique fort, undéveloppement urbain sans précédent, une culture florissante et des arts d'un raffinement exceptionnel ; c’est ce que l’époque d’Edo (1603-1868) a offert à l’archipel.
Des artisans transformèrent cet objet usuel en produit d’artisanat raffiné. Ils utilisèrent pour ce faire toutes sortes de matériaux, tels que des bois durs d’essences diverses : - cerisier, - érable, - buis et - autres, la corne Mais aussi : - la porcelaine, - le corail et - l’ivoire (défense d’éléphant mais aussi de morse ou de narval).
Et surtout, ils rivalisèrent d’imagination et de talent.
Le netsuke se déclina alors sous toutes sortes de formes : - animaux, - êtres humains, - déités, - masques et - personnages de kabuki et de nô, mythes et légendes, monstres,scènes de vie…
Des écoles s’ouvrirent à Kyoto puis à Tokyo et dans diverses régions du Japon, chacune ayant sa spécialité.
Les netsuke-shi,devinrent célèbres et firent fortune. Leurs oeuvres portent leur signature.
La fin du XVIIème et la première moitié du XIXème siècles marquent l’âge d’or des netsuke. On édite alors des ouvrages où sont recensés les œuvres et leurs créateurs et tous les hommes qui en ont les moyens accrochent de vrais œuvres d’art à leur obi !
MAIS à l'ère Meiji (1868-1912) la mode des vêtements occidentaux s’impose et le netsuke perd petit à petit de son utilité.
Cependant, certains étrangers débarqués au Japon ne sont pas sans remarquer ces objets insolites et sophistiqués.
En Europe, France en tête, c’est l’époque du japonisme et les collectionneurs ou amateurs d’arts orientaux s’y intéressent de près et de nombreuses pièces seront emportées en Occident avec leurs propriétaires.
Petit et léger, le netsuke est l’objet idéal à rapporter ou importer du Japon. Les artisans continuèrent donc d’en produire, mais à moindre quantité et aussi de moindre qualité. De nombreuses pièces sont désormais exposées dans des musées en Europe ou aux Etats-Unis.
En 1975 est crée la Société internationale des Netsuke, Netsuke Kenkyukai Sociaty, longtemps présidée par un Français, Monsieur Robert Fleischel, grand spécialiste du Japon.
Au XXIème siècle, l’engouement pour cet objet n’a pas cessé et les collectionneurs du monde entier se pressent aux ventes aux enchères des capitales européennes.
Certaines pièces peuvent atteindre des prix astronomiques.
En 1990, un netsuke du XVIIIème siècle figurant un cheval avait battu tous les records à Londres avec un prix de 275 365 euros.
En 2005, une statuette en ivoire de 13 cm de haut représentant Shôki luttant avec un Oni (diable) a été adjugée 127 375 euros, frais compris.
Mais en général, les netsuke senégocient entre 100 et 3 000 euros.
La valeur d’un netsuke tient à la qualité de sa sculpture, sa ciselure, la signature de l’artisan, la rareté de son thème ou son originalité et à sa patine.
Seule sa face exposée à la lumière est patinée. C’est d’ailleurs l’un des critères qui peut permettre de distinguer un vrai d’un faux.
Car oui, il existe de plus en plus de copies de netsuke (principalement fabriqués en Chine) sur le marché. Il faut donc être vigilant et n’acheter que dans des boutiques spécialisées dignes de confiance. Des faux circuleraient même en salle des ventes.
Un netsuke peut être de différentes formes mais il se distingue toujours par sa petite taille (entre 3 et 8 cm) et par les himotoshi (deux petits trous communicants permettant de faire passer la cordelette dans le netsuke).
Sashi netsuke : ce sont des netsuke de forme allongée comme un poignard. Leur longueur est de 10 cm, voire plus. Ils se portent poussés à l'intérieur de la ceinture. Certains les considèrent comme une poignée de sac.
A Tokyo, la galerie Sagemonoya, fondée par Robert Fleischel, propose un large éventail de netsuke et sagemono.
Les modules standard préfabriqués étaient des lames métalliques perforées de trous circulaires au pas de ½ pouce (1,27 cm).
Dès le début, la collection de ces lames fut très étendue, car le but initial était l'initiation à la mécanique : elle comportait - des cornières, - des plaques, - des axes, - des roues - et des engrenages en laiton.
L'originalité de l'invention est le pas constant des trous pour l'assemblage qui se fait au moyen de vis et d'écrous.
Meccano Ltd. était une société britannique fabriquant : - le jeu Meccano, - les trains Homby , - les Dinky Toys - et distribuant d'autres types de jouets.
La filiale française Meccano SA fut créée en 1912 à Paris et devint la maison mère, dont le siège et la principale usine sont situés à Calais.
Au fil du temps, la gamme de pièces a largement évolué : certaines ont disparu du système, de nouvelles ont été créées, quelques-unes sont maintenant en matière plastique et en acier.
En France, le Club des amis du Meccano regroupe les adeptes, constructeurs et collectionneurs du jeu.
Ils sont nommés « meccanophiles » ou « meccano fans ».
Jean-Adrien, il préférait qu'on l'appelle Adrien, a durant toute sa vie été passionné par les pièces de métal peint de meccano, mais pas n'importe quel meccano, le "meccano ancien". Il a sans relâche fouiné et chiné dans les brocantes pour trouver encore et encore les pièces qui lui manquaient, il en possédait de pleins tiroirs et de pleines boites à biscuit "en fer" d'autrefois. Il ne faisait pas que collectionner toutes ces pièces, il passait aussi beaucoup de temps à les assembler, lentement, méthodiquement, inlassablement. Son dernier chantier était en même temps, la construction d'un manège pour enfants, tournant, mais il n'avait pas le moteur spécifique qu'il ne trouvait pas, il construisait aussi un camion qui lui donnait bien du mal !!!
Meccano est une marque exclusive de la société Meccano. Ce nom de marque est parfois utilisé comme un nom commun pour : - qualifier un dispositif qui se construit par assemblage d'éléments modulaires, bien que la société Meccano refuse que l'on utilise sa marque de façon générique.
Enfin, Meccano est distribué aux États-Unis sous la marque Erector.
La fontaine des Éléphants,
historiquement appelée la colonne de Boigne et aujourd'hui plus simplement appelée :
- « les Éléphants »
ou surnommée:
- « les quatre sans culs »,
est une fontaine située dans la commune de Chambéry ,dans le département français de la Savoie en région Auvergne-Rhône-Alpes
Érigée en 1838 en l'honneur du général - comte de Boigne , la fontaine est aujourd'hui l'un des plus célèbres monuments de la ville.
Elle fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques depuis le 07 mai 1982 .
L’ensemble, haut de 17,65 mètres et bâti en pierre calcaire de Saint-Sulpice, est une habile superposition de trois monuments :
- une fontaine, une colonne et une statue .
- La fontaine présente dans son plan la CROIX de SAVOIE .
Quatre éléphants réunis par la croupe, réalisés en fonte de fer ,
jettent l’eau par leurs trompes dans un bassin octogonal et portent chacun une tour de combat surmontée d’un bas-relief
ou d’une inscription.
- Sur les éléphants, se dresse une grande colonne, symbolisée par un tronc de palmier.
Sa base est ornée d'une grande variété de trophées :
- « Des armes persanes, mogholes, hindoues ;
- divers objets rappelant les mœurs, les arts et la civilisation des peuples que le général de Boigne a combattus ou gouvernés, composent les trophées »
Le sommet de la colonne est constitué d'une statue du général-comte de Boigne *à qui le monument est dédié.
Ce dernier est vêtu de son costume de lieutenant-général du royaume de Sardaigne .
Son manteau relevé sur son épaule gauche laisse apparaître sa main posée sur un sabre oriental,
tandis que sa main droite tient un document sur lequel est inscrit « dons à la Ville de Chambéry », représentant l'ensemble des
donations accordées à la ville par le comte de Boigne.
(* Benoît Leborgne, plus connu sous le nom de Benoît de Boigne, comte de Boigne ou encore général-comte de Boigne, né le 8 mars 1751 à Chambéry et mort dans la même ville, le 21 juin 1830, est un aventurier savoyard )
Il s'agit d'une statue en bronze fondue à Paris dans les ateliers de Charles Crozatier . (Charles Crozatier, né au Puy-en-Velay
(Haute-Loire) le 18 février 1795 et mort à Paris le 8 février 1855, est un bronzier d'art, fondeur et mécène français.)
Elle pèse 750 kg et mesure 2,82 m de hauteur.
Cette fontaine est érigée de 1835 à 1838 par le sculpteur grenoblois PierreVictor Sappey ( Pierre-Victor Sappey né le 11 février 1801 à Grenoble et mort dans la même ville le 23 mars 1856 est un sculpteur français.)
afin de commémorer les exploits des indiens MARATHES* et du COMTE de BOIGNE après sa mort en 1830.
Elle se dénomme alors la colonne de Boigne.
*Les Marathes sont une caste indienne de guerriers et de seigneurs faisant partie des Kshatriyas, ils fondèrent l'Empire marathe.
La fontaine des éléphants est inaugurée le 10 décembre 1838.
installations Field of Light.
Sa spécificité :
- une multitude d’orbes brillantes illuminant un lieu en créant d’impressionnants espaces scintillants et mettant en lumière l’expérience humaine partagée.
Selon l’interview de My Modern Met, l’artiste aurait décidé de se consacrer à sa passion après le décès de son père en 1999.
À l’époque, il travaillait dans la fabrication de lumière, et a ainsi décidé de concrétiser ses expériences en utilisant la lumière comme support, qu’il considère comme un médium pur et vrai.
L’homme enregistre ainsi des idées et des images dans des carnets de croquis depuis plus de 30 ans.
Il capture ainsi la musique, la littérature, la science et le monde qui l’entoure et s’en sert comme référence et réflexion pour ses projets.
Munro produit à la fois des œuvres d’expérimentation temporaires monumentales et des récits intimes.
Il a créé des installations monumentales et intimes dans des déserts, des étangs, des jardins, des champs, et même à l’intérieur de bâtiments.
Le premier Field of light a été installé dans le désert d’Uluru en Australie, inspiré de la première visite de l’artiste dans le désert en 1992.
Le dernier projet en date de Munro se trouve à Sensorio, situé sur une colline dans la ville pittoresque de Paso Robles, dans la région viticole de Californie.
Ce paysage vallonné donne une perspective à part entière et crée l’illusion d’une densité accrue.
Afin de mettre en évidence les contours et les courbes du paysage local, Munro a utilisé près de:
- 60 000 lampes à LED alimentées à l'énergie solaire.
Les ampoules donnent une nouvelle vie au paysage, et permettent aux visiteurs de découvrir leur environnement d'une nouvelle manière innocente et éthérée, apportant « un peu de joie et de connexion entre les gens », comme le décrit l’artiste.
S’étendant sur une surface de 6 hectares, le champ de lumière de Sensorio est la plus grande installation de Munro à ce jour,
ainsi que l’une des plus spéciales.
Sensorio, à la croisée de l'art, de la technologie et de la nature,
est une destination de divertissement, d'exploration, de méditation, d'aventure et de volupté.
Sensorio respecte la topographie naturelle du paysage et propose un large éventail d’expériences amusantes, mystiques et cinétiques.
Pour sa nouvelle création, l’artiste de la lumière a jeté son dévolu sur les vignes californiennes où pas moins de 58 000 ampoules multicolores ont été plantées.
Le champ de lumière est créé avec plus de 58 000 lampes sphériques à tige qui fonctionnent à l’aide de fibres optiques. Ce qui est encore mieux, c’est que chacune d’entre elles est alimentée par l’énergie solaire:
Ayers Rock, en Australie:
- formation rocheuse au beau milieu du désert australien.
Également appelé Uluru, ce relief de grès rouge est une véritable œuvre d’art formée au fil des millénaires par les mains de la nature. De l’aube au crépuscule, ses couleurs ne cessent de changer, remodelant inlassablement la pierre entre ombre rafraîchissante et lumière incandescente de cette région du continent Australien.
Field of Light, aux pieds de l’imposant Uluru.
Ce ne sont pas moins de 60 000 petites lanternes en forme de bouton de fleur qui se sont éclairés progressivement, au fur et à mesure que la nuit tombait sur le désert australien, répondant de leurs teintes chatoyantes au ciel qui s’embrasait au soleil couchant.
Les lanternes, en vérité des ampoules à LED qui se chargent grâce à l’énergie solaire, changent constamment de couleur, ce qui fait que le spectacle ne cesse de se transformer au fil des heures.
Le spectacle estpensé par Bruce Munro pour être admiré aussi bien de loin que de près, et l’artiste britannique encourage les visiteurs à déambuler à travers son « champ de lumière » pour une immersion totale.
C’est un art qui se regarde autant qu’il se ressent.
© Bruce Munro
Bruce Beaton St Clair Munro est un artiste anglais / australien à double nationalité connu pour produire de grandes installations immersives spécifiques à un site, souvent en massant des composants par milliers.
Date de naissance : 2 juin 1959 (Âge: 61 ans)
les filatures Jules Tournier sont l'une des dernières entreprises industrielles en France à travailler la laine de:
- la matière première jusqu'aux tissus.
150 ans de savoir-faire familial au service du très haut de gamme.
Le sud du Tarn a longtemps connu une solide réputation internationale pour son industrie textile.
La mondialisation de la production textile a porté un coup dur au secteur
(deux tiers de ses effectifs et plus de la moitié de sa production perdus en vingt ans - source Insee 2018)
mais ceux qui ont misé sur les produits de luxe et les textiles techniques ont mieux tiré leur épingle du jeu.
C'est le cas notamment des filatures Jules Tournier, basées à Mazamet.
Entreprise familiale, actuellement gérée par la sixième génération, elle est l'une des dernières entreprises industrielles françaises à travailler la laine de la matière première jusqu'aux tissus.
Elle a fait le pari du tissu zéro défaut, à destination du très haut de gamme.
tweed plus confortables grâce à l'ajout de stretch
En 150 ans,
le savoir-faire a évolué techniquement mais les bases restent les mêmes :
Avec des laines en provenance du monde entier,
les filatures Jules Tournier réalisent des tissus de grande qualité, destinés au prêt-à-porter féminin de luxe et à des créateurs français ou italiens. (Chanel ou Balmain.)
L'entreprise tarnaise est aussi leader mondial des tissus anti-perforations pour les tenues d'escrime.
Et fournisseur du tissu réservé aux manteaux des hauts gradés de l'armée depuis... Napoléon III.
Puis habille les soldats de la Première Guerre mondiale.
La manufacture produit notamment le célèbre "drap bleu horizon", porté dans les tranchées.
Les marins, à leur tour, sont emmitouflés dans des draps de laine Jules Tournier.
Aujourd'hui encore, il continue sa collaboration avec le Ministère de la Défense.
La salle de lavage et de teinture, 1920.
Dans les années 60, le tisseur familial choisit de se diversifier vers des tissus "mode".
De génération en génération, cette famille d'industriels lainiers a misé sur l'innovation.
En 2017,
elle a obtenu" le label Entreprise du patrimoine vivant," gage de grande qualité.
Jules Tournier exporte vers 42 pays avec, en tête, le Moyen-Orient, l'Asie et les USA.
Jules Tournier fonde sa société de tissus en 1865.
et
ses descendant allemand, la maison Holstein-Gottorp-Romanov a gouverné de 1762 à 1917.
La cour des Tsars était somptueuse, les dirigeants du pays commandaient :
- peintures et
- bijoux
qui reflétaient les traditions de l'art russe avec quelques touches d'Art nouveau.
Peter Carl Faberge (1846 – 1920) a créé quelques unes des œuvres les plus sublimes incluant les œufs en cristaux
offert pour Pâques.
Connu sous le nom de Karl Fabergé,né le 30 mai 1846 à Saint Pétersbourg, décédé en 1920 à Lausanne en Suisse
La miniature de Palekh (en russe : П́алехская миниат́юра) est un artisanat populaire qui s'est développé dans le village de
PALEKH en Russie.
Il s'agit de MINIATURES LAQUÉES , réalisées à tempera sur un support à base de papier-maché .
Ce sont, habituellement, des boîtes, des coffrets, des cendriers, des porte-cigarettes, des broches, des poudriers qui servent de supports à ces miniatures.
Jusqu’à la Révolution de 1917, la lignée des Romanov a régné sur la Russie durant plus de 300 ans,
au cours desquels elle a accumulé une large collection de joyaux réalisés par les plus talentueux artisans.
Cela inclut de nombreux chefs-d’œuvre de joaillerie, qu’il s’agisse de bracelets et de broches ou des célèbres œufs .
Un certain nombre de pièces importantes sont restées le pays et sont aujourd’hui conservées sous clefs, au sein même du KREMLIN .
La couronne impériale russe, également connue comme la grande couronne impériale,
était le principal symbole du pouvoir des monarques russes et le principal attribut impérial entre 1762 et 1917.
Elle a été portée par tous les souverains du pays, à commencer par Catherine II et jusqu’à Nicolas II.
Créée par le joailler de la cour George Friedrich Eckart et l’artisan diamantaire Jeremiah Posier,
elle est ornée de pas moins de :
- 4 936 diamants (soit un total de 2 858 carats),
- de 75 grandes perles mattes indiennes et
- d’un spinelle de 398,72 carats.
De nos jours, elle se toutefois trouve sous clef dans la collection du Fonds des Diamants, au Kremlin de Moscou,
et n’est pas accessible au public car sa valeur est tout simplement trop élevée pour courir le moindre risque.
Afin de présenter la splendeur de cette couronne, une réplique en a cependant été réalisée en 2012 pour environ un milliard de roubles (13,22 millions d’euros) et a été exposée à travers toute la Russie et même au-delà de ses frontières.
(Russia Beyond)
ANIMAUX en pierre dure de FABERGÉ
Né à Saint-Pétersbourg en 1846,
Carl Fabergé appartient à une famille d’origine protestante et picarde,
émigrée après la révocation de l’édit de Nantes en 1685.
Son père, Gustav, a créé en 1842 un petit atelier de joaillerie et bijouterie.
À peine adolescent, Carl va se lancer dans un long tour d’Europe de compagnon joaillier.
D’où il revient avec une connaissance encyclopédique des techniques, et des croquis à la pelle qui sont autant de projets originaux.
En 1907, le roi Édouard VII fait venir Carl Fabergé et l’invite à créer des sculptures miniatures des animaux familiers de Sandringham, oeuvres qu’il compte offrir à son épouse.
Le joaillier dépêche ses meilleurs artistes, qui regagnent Saint-Pétersbourg avec des modèles en cire avant de passer à l’exécution.
La calcédoine, le quartz, l’agate, la néphrite comptent parmi les pierres dures utilisées dans la réalisation de ces objets inspirés des netsuke japonais, où les yeux sont de saphir, de rubis, d’émeraude et les moustaches de platine.
Qu’est-ce qu’un netsuke (prononcernétsuké)?
Il faut attendre l'ère MEIJI * (1868-1912) pour que les sacs apparaissent au Japon.
*Sous le règne de Mutsuhito, l’empereur Meiji (1852-1912), le Japon connait une refonte des systèmes politiques, économiques et
sociaux aboutissant à une modernisation extrêmement rapide du pays :
c'est la restauration Meiji.
Auparavant,les Japonais se servaient d’un Furoshiki * pour transporter leurs affaires.
*Le furoshiki est un grand morceau de tissu aux motifs souvent traditionnels servant à emballer des objets de la vie usuelle depuis des siècles au Japon.
Les femmes japonaises cachaient leurs menus effets dans les larges manches de leurs kimonos.
Mais les hommes, portant des kimonos sans poche et avec des manches relativement étroites, avaient pour habitude d'accrocher leurs effets personnels à leur obi (ceinture du kimono).
On parlait alors de sagemono, "chose suspendue".
Bourses, boîtes à médicaments, nécessaires àécrire (yatate), blagues à tabac ou même coupelles à saké :
- tous s’accrochaient à la ceinture.
Ces divers objets avaient donc un poids et, vers le milieu du XVIème,
on eut alors l’idée d’y accrocher quelque chose d’autre pour faire contrepoids et les maintenir en place :
- le netsuke vit le jour.
Il s’agit donc d’un petit objet sculpté, percé de deux trous et fixé à la cordelette du sagemono.
L’étymologiedu mot laisse à penser qu’au début il s’agissait peut-être de racines, ne signifiant racine et tsuke (, dérivé du verbe tsukeru : attacher, assembler.
Très vite, à L'époque d'Edo (1603-1868),
250 ans de paix grâce à un régime politique fort, undéveloppement urbain sans précédent, une culture florissante et des arts d'un raffinement exceptionnel ; c’est ce que l’époque d’Edo (1603-1868) a offert à l’archipel.
Netsuke en ivoire, rat grimpant sur un tronçon de bougie. Les yeux incrustés de corne brune.
Des artisans transformèrent cet objet usuel en produit d’artisanat raffiné.
Ils utilisèrent pour ce faire toutes sortes de matériaux, tels que des bois durs d’essences diverses :
- cerisier,
- érable,
- buis et
- autres, la corne
Mais aussi :
- la porcelaine,
- le corail et
- l’ivoire (défense d’éléphant mais aussi de morse ou de narval).
Et surtout, ils rivalisèrent d’imagination et de talent.
Le netsuke se déclina alors sous toutes sortes de formes :
- animaux,
- êtres humains,
- déités,
- masques et
- personnages de kabuki et de nô, mythes et légendes, monstres,scènes de vie…
Tout ceci sculpté dans un mini format.
Des écoles s’ouvrirent à Kyoto puis à Tokyo et dans diverses régions du Japon, chacune ayant sa spécialité.
Les netsuke-shi, devinrent célèbres et firent fortune.
Leurs oeuvres portent leur signature.
La fin du XVIIème et la première moitié du XIXème siècles marquent l’âge d’or des netsuke.
On édite alors des ouvrages où sont recensés les œuvres et leurs créateurs et
tous les hommes qui en ont les moyens accrochent de vrais œuvres d’art à leur obi !
MAIS à l'ère Meiji (1868-1912) la mode des vêtements occidentaux s’impose et le netsuke perd petit à petit de son utilité.
Cependant, certains étrangers débarqués au Japon ne sont pas sans remarquer ces objets insolites et sophistiqués.
En Europe, France en tête,
c’est l’époque du japonisme et les collectionneurs ou amateurs d’arts orientaux s’y intéressent de près et
de nombreuses pièces seront emportées en Occident avec leurs propriétaires.
Petit et léger, le netsuke est l’objet idéal à rapporter ou importer du Japon.
Les artisans continuèrent donc d’en produire, mais à moindre quantité et aussi de moindre qualité.
De nombreuses pièces sont désormais exposées dans des musées en Europe ou aux Etats-Unis.
En 1975
est crée la Société internationale des Netsuke, Netsuke Kenkyukai Sociaty, longtemps présidée par un Français,
Monsieur Robert Fleischel, grand spécialiste du Japon.
Au XXIème siècle,
l’engouement pour cet objet n’a pas cessé et les collectionneurs du monde entier se pressent aux ventes aux enchères
des capitales européennes.
Certaines pièces peuvent atteindre des prix astronomiques.
En 1990,
un netsuke du XVIIIème siècle figurant un cheval avait battu tous les records à Londres avec un prix de 275 365 euros.
En 2005,
une statuette en ivoire de 13 cm de haut représentant Shôki luttant avec un Oni (diable) a été adjugée 127 375 euros, frais compris.
Mais en général, les netsuke se négocient entre 100 et 3 000 euros.
La valeur d’un netsuke
tient à la qualité de sa sculpture, sa ciselure, la signature de l’artisan, la rareté de son thème ou son originalité et à sa patine.
Seule sa face exposée à la lumière est patinée.
C’est d’ailleurs l’un des critères qui peut permettre de distinguer un vrai d’un faux.
Car oui, il existe de plus en plus de copies de netsuke (principalement fabriqués en Chine) sur le marché.
Il faut donc être vigilant et n’acheter que dans des boutiques spécialisées dignes de confiance.
Des faux circuleraient même en salle des ventes.
Un netsuke peut être de différentes formes mais il se distingue toujours par sa petite taille (entre 3 et 8 cm)
et par les himotoshi (deux petits trous communicants permettant de faire passer la cordelette dans le netsuke).
Le netsuke doit être compact, sa surface lisse, exempte d'aspérités qui pourraient blesser le propriétaire ou déchirer son kimono .
Les netsuke sont sculptés suivant la technique dite en ronde-bosse *.
(* La ronde-bosse est une technique de sculpture en trois dimensions de l'Antiquité qui repose sur un socle.
Elle peut être observée sous n'importe quel angle, même si la partie postérieure n'est pas toujours achevée, La sculpture en
ronde-bosse est le plus souvent utilisée pour des représentations figuratives.)
Sashi netsuke :
ce sont des netsuke de forme allongée comme un poignard.
Leur longueur est de 10 cm, voire plus.
Ils se portent poussés à l'intérieur de la ceinture.
Certains les considèrent comme une poignée de sac.
A Tokyo, la galerie Sagemonoya, fondée par Robert Fleischel, propose un large éventail de netsuke et sagemono.
http://fr.netsuke.com/
Bricolage + ou - :
Meccano est un jeu de construction * à base d'éléments à l'origine entièrement métalliques.
* Le jeu de construction est constitué d'éléments préfabriqués que l'on assemble à son gré ou en suivant les directives d'un cahier de modèles.
Les modules standard préfabriqués étaient des lames métalliques perforées de trous circulaires au pas de ½ pouce (1,27 cm).
Dès le début, la collection de ces lames fut très étendue, car le but initial était l'initiation à la mécanique :
elle comportait
- des cornières,
- des plaques,
- des axes,
- des roues
- et des engrenages en laiton.
L'originalité de l'invention est le pas constant des trous pour l'assemblage qui se fait au moyen de vis et d'écrous.
Meccano Ltd. était une société britannique fabriquant :
- le jeu Meccano,
- les trains Homby ,
- les Dinky Toys
- et distribuant d'autres types de jouets.
La filiale française Meccano SA fut créée en 1912 à Paris et devint la maison mère, dont le siège et la principale usine sont situés à Calais.
Au fil du temps, la gamme de pièces a largement évolué :
certaines ont disparu du système, de nouvelles ont été créées, quelques-unes sont maintenant en matière plastique et en acier.
En France, le Club des amis du Meccano regroupe les adeptes, constructeurs et collectionneurs du jeu.
Ils sont nommés « meccanophiles » ou « meccano fans ».
Jean-Adrien, il préférait qu'on l'appelle Adrien, a durant toute sa vie été passionné par les pièces de métal peint de meccano, mais pas
n'importe quel meccano, le "meccano ancien". Il a sans relâche fouiné et chiné dans les brocantes pour trouver encore et encore les pièces qui lui manquaient, il en possédait de pleins tiroirs et de pleines boites à biscuit "en fer" d'autrefois.
Il ne faisait pas que collectionner toutes ces pièces, il passait aussi beaucoup de temps à les assembler, lentement, méthodiquement, inlassablement.
Son dernier chantier était en même temps, la construction d'un manège pour enfants, tournant, mais il n'avait pas le moteur spécifique qu'il ne trouvait pas, il construisait aussi un camion qui lui donnait bien du mal !!!
Meccano est une marque exclusive de la société Meccano.
Ce nom de marque est parfois utilisé comme un nom commun pour :
- qualifier un dispositif qui se construit par assemblage d'éléments modulaires, bien que la société Meccano refuse que l'on utilise sa marque de façon générique.
Enfin, Meccano est distribué aux États-Unis sous la marque Erector.
La création du jeu se fait en 1898 à Liverpool, dans un atelier où Frank Homby *s’amusait à inventer un jeu de construction à base de vis et d’écrous pour ses enfants. Il donne ainsi naissance au système Meccan, breveté en 1901.
* Frank Hornby est un inventeur britannique, créateur du Meccano, des trains Hornby en 1920 et des miniatures Dinky Toys début 1934.